붓을 버리고 마침내 도달한 단일한 색

↑ `묵고` 연작이 걸린 전시 전경. [사진 제공 = PKM갤러리]

먼저 유화 물감을, 마지막엔 붓을 버렸다. 한지와 캔버스만 남았다. 손으로 염색한 닥나무 껍질 섬유에 물을 섞고 면 캔버스 위에 점토처럼 뭉쳐서 발랐다. 한지라는 전통과 서구 추상의 어법은 자연스럽게 만나 서로 스며들었다.
정창섭(1927~2011)에게 한지는 동양화의 정신을 담아내는 도구가 아니었다. 물질의 순수한 물성을 드러내는 질료였다. 닥을 바르는 작업은 서구 추상의 유화 물감으로부터의 탈주였다. 그에게 미술가의 할 일이란 존재의 참 모습에 최소한의 손길을 더하는 것이었다.
그의 촉각적인 회화는 1990년대를 지나면서 점점 깊어졌다. 붉은색, 푸른색을 거쳐 흰색과 검정색만 남았다. 후기에 이르러 마침내, 캔버스까지도 하나의 덩어리가 된 한(單) 색깔(色) 그림(畵)에 도달했다.

↑ 정창섭 작가

정창섭은 '단색화'가 국제적인 인정을 받기 직전 세상을 떠났다. 해외의 큰 손들에게 정창섭 말년 작업의 진면목을 보여줄 기회가 생겼다. 한국 현대미술의 1세대 거장이자 단색화 대표작가인 정창섭의 회고전 '물(物)심(心)'이 25일부터 10월 15일까지 열린다. '닥'과 '묵고' 연작 29점을 통해 후기 작업을 집중해 보여주는 PKM갤러리에서의 첫 회고전이다.
박경미 PKM갤러리 대표는 간담회에서 "정창섭은 단색화 생존작가들만큼 관심을 같이 받지는 못했다. 재조명이 필요한 시점이라 판단해 유족과 상의해 전시를 준비했다. 프리즈로 전세계 컬렉터들이 한국을 방문하는 데 정창섭이 세계적으로 주목받는 계기가 됐으면하는 바람이다"고 말했다.
작가는 1927년 충북 청주 태생으로 1961년부터 1993년까지 서울대 미술대학 교수를 역임했다. 활발한 화업을 펼치던 시기 파리비엔날레(1961), 상파울루 비엔날레(1965) 등 국제 행사에도 다수 참여했다.

↑ 정창섭 작가

그는 평생 추상화 외길만 걸으며 변신과 도약을 보여줬다. 큐비즘과 앵포르멜 등 서구 거장들의 화업을 두루 거친 뒤, 1970년대 중반부터 한지를 사용한 작품들을 제작하기 시작했다. 1980년대 초부터 정창섭은 종이 자체가 작품이 되는 '닥'(TAK, 1982~1990) 연작을 시작했다. 전시에 3점이 걸린 '닥' 연작은 한지의 거슬거슬한 질감과 오랜 시간으로 빛이 바랜 색상이 그대로 드러나 보인다.
정창섭은 말했다. "종이의 물적 실존성에 나의 감수성을 동화하여 물(物)과 아(我)의 일원적 합일을 체험하는 쪽으로 진행하게 된 것이다."

↑ `묵고 91216` [사진 제공 = PKM갤러리]

↑ `묵고 971041` [사진 제공 = PKM갤러리]

'닥'을 집중해 발전시킨 '묵고'(默考, 1991~2010) 연작은 누름 기법을 통해 평면성을 더 강조하고, 절제된 색감을 특징으로 한다. 갈색, 녹색, 자주색, 남색으로 캔버스를 이분화하던 작업은 점차 단색으로 통일됐다. 1997년 이후의 작업에서는 흑과 백의 단색만 남았다.
갤러리 1층에 걸린 '묵고' 대작들은 멀리서 응시하면 순백의 캔버스만 걸려있는 것처럼 보이지만 가까이가면 닥의 질감과 그리드(grid)를 만날 수 있다. 장식성이 극도로 제거되고 순수한 색의 존재만 남은 추상화다. 작가는 물질 자체가 생동(生動)하며 빛을 발하는 경지를 추구했다.

↑ `묵고 20810` [사진 제공 = PKM갤러리]

박 대표는 "한국 고유의 아름다움을 끄집어내서 국제적 보편성을 건드리는 작업을 찾고 싶다고 하셨는데 말년에 묵고(말없이 마음속으로 생각함)를 통해 방법을 찾으신 것 같다"고 해석했다.
작고한 작가의 평생에 걸친 화업을 소개하거나 삶의 궤적 등을 갈무리한 아카이브가 따로 마련되지는 못해 아쉬움이 남았다. 이에 대해 박 대표는 "2010년 국립현대미술관 회고전 등 여러 전시를 하셨는데도 작가의 기록과 육성을 만날 수 있는 아카이브가 너무 부족하다. 마지막 5년 정도는 병환으로 작업을 거의 못하셨다. 이번 전시는 그의 말년의 대표작들을 모은 것"이라고 말했다.